Nous savons tous que pour faire ressortir un dessin, il ne suffit pas de dessiner sa silhouette. La figure n'a pas besoin d'être cernée. Le trait doit être visible pour certains endroits, et s'affiner voir disparaître dans d'autres. La mise en valeur s'appuie sur la tonalité pour mettre en valeur les formes et les volumes, en utilisant l'éclairage.

Les valeurs sont des tons, des tonalités différentes ayant chacune une intensité différente.

Pour mieux la percevoir, il faut plisser les yeux. On obtient alors une vision moins colorée, mais plus contrastée. La mise en valeur doit se faire progressivement et partout à la fois. Souvent, le réflexe est de se concentrer sur une zone et à la remplir, ce qui rend impossible toute augmentation de valeur.  Dans un tel cas, on ne peut plus rattraper le dessin s'il est impossible d'effacer. En montant les valeurs progressivement, le dessin apparaît comme une photographie qui se révèle.

Les étapes de la mise en valeur

La mise en valeur d'un dessin se repose beaucoup sur la compréhension de la tonalité (- c'est par ici pour le cours -). Pour faire une mise en valeur progressive, la première question à se poser est : où sont les clairs? Quel est le niveau moyen ? Selon les techniques, il faut privilégier un certain ordre de traitement des valeurs.

          Au crayon, il est préférable de travailler de haut en bas, et de gauche à droite pour les droitiers (de droite à gauche pour les gauchers). Cela évite de salir des zones déjà travaillées en passant la main. La mise en valeur se fait progressivement en partant des tons clairs que l'on fonce progressivement. Les touches finales sont l'accentuation des zones d'ombres, puis le nettoyage des zones de lumière avec une gomme fine.

         A l'aquarelle, on commence également par les zones claires. En effet, il est quasiment impossible de retirer le pigment une fois qu'il est posé. L'ajout progressif de pigments permet de maîtriser la mise en valeur du dessin. On termine souvent le dessin en accentuant au pinceau ou au crayon, les zones plus foncées ou les traits de délimitation.

          Au pastel, c'est tout le contraire ! Le pastel était une craie qui dépose des pigments sous forme de poussière, il est fortement conseillé de commencer par les valeurs foncées, puis d'aller progressivement vers le clair afin de ne pas salir ses couleurs. Après avoir passé la dernière couche de fixatif, il est conseillé de rajouter une touche de blanc sur les zones de lumière.

          A l'huile, c'est comme au pastel. Le blanc de titane (le plus souvent utilisé) et ses dérivés (le jaune de naple par exemple) sont des couleurs opaques et dominantes. Au contraire, les couleurs sombres comme les noirs ont plutôt des bases transparentes. Il est quasiment impossible d'obtenir une valeur sombre profonde en partant d'une base claire. On choisira donc de démarrer le tableau par les zones sombres et d'éclaircir progressivement.

          L'acrylique est une matière particulière. Selon qu'elle est travaillée à l'eau ou avec du médium d'empattement, on suivra respectivement les techniques décrites pour l'aquarelle ou l'huile. Si elle est utilisée nature, il faut séparer les pigments opaques des pigments transparents (c'est notifié sur le tube). Il faut savoir que les pigments transparents ne couvriront jamais les pigments opaques. Il est donc très intéressant de jouer avec ces effets de transparence pour intensifier la couleur d'une toile, ou au contraire créer des teintes plus termes.

Le travail des valeurs et des couleurs est absolument passionnant et nécessite plus de cours et de détails. Sauf question de votre part, il faudra néanmoins attendre un petit peu avant que je ne fasse les cours sur la couleur.

Contrastes et limites

Ici on va voir l'importance des contrastes. La mise en valeur s'appuie naturellement sur la comparaison des valeurs entre elles. Ainsi, un clair paraît d'autant plus clair qu'il est entouré de sombres. De même, un trait apparaît d'autant plus net qu'il est fin et aux limites dures.

Dans un dessin, les zones communiquent entre elles et la lumière circule. Cela créé une sorte de dialogue entre les différentes zones, et est à l'origine d'effets très intéressants.

Dans l'image de gauche, le carré de gauche semble plus clair que celui droite. Ils sont pourtant exactement de la même couleur. De plus, le carré de gauche semble plus grand que celui de droite. Cette illusion d'optique créée par le contraste des valeurs.

On constate le même genre de phénomène dans l'image de droite. Nos yeux perçoivent trois bandes de dégradé. En réalité, la bande du milieu est monochrome ! Elle ne possède qu'une seule couleur uniforme. L'impression de dégradé provient du contraste avec le dégradé des bandes de fond.

Avoir conscience de ce phénomène permet d'éviter des erreurs et de comprendre certains effets bizarres dans les dessins.

Pour les plus habiles, il est même intéressant d'en jouer !

Avant de commencer, petit rappel sur les leçons d'optique dispensées en cours de physique : comment représente-t-on un rayon lumineux dans un schéma?  Par une droite. Et bien en dessin, c'est pareil !

EXCEPTIONNELLEMENT, je vous autorise à utiliser la règle pour les tracer. Profitez... ^^

En simplifiant, on peut dire que la théorie des ombres considère la source de lumière comme point d'origine d'un faisceau de droites divergentes ou convergentes : les rayons lumineux. L'intersection de ces droites avec les lignes perspectives de l'objet dessiné détermine le périmètre de la zone d'ombre portée. (Ou que c'est compliqué cette phrase !! Ne vous inquiétez pas, elle s'éclaire avec le cours suivant)

Cela signifie que quand on invente des ombres, il faut imaginer la position de la source de lumière, comme si c'était un deuxième point de vue perspectif, et en déduire l'inclinaison des rayons quand ils rencontrent les figures de la composition.

De manière schématique, l'effet de projection des ombres donne ça :

Rappel : SL = Source de Lumière.

Je vous avais dit que ça ressemblait à des cours de physique... ^^

Maintenant que ces bases sont posées, on va pouvoir passer à des choses plus sérieuses, comme le détail des ombres en lumière naturelle et en lumière artificielle.

Je vous conseille aussi fortement de revoir les cours sur la perspective !

Petit cours technique d'introduction pour le dessin des ombres. Un autre grand sujet qu'il convient d'aborder.

Tous les objets  qui nous servent de modèle présentent des zones des zones exposées à la lumière et des zones d'ombres. Vous n'êtes pas sans savoir que les jeux d'ombre et de lumière sont la base de l'expression et de la vie d'un dessin (-bientôt plus de détails-). Ce sont eux qui lui donnent tout son relief, son expression, son humeur... Voici donc un cour de basse présentant les différents types d'ombres et leurs valeurs.

Ombre Propre / Ombre Portée:

Comme dit précédemment, tous les objets qui nous servent de modèle pour le dessin présentent des zones plus ou moins exposées à la lumière. Leur contraste dépend de l'intensité de la source lumineuse. Sur un objet, les parties qui ne sont pas touchées par la lumière s'appellent les Ombres Propres.

Les objets étant eux-mêmes solides et opaques, ils s'interposent comme des écrans entre la lumière et une portion du plan sur lequel ils s'appuient. Les zones du plan ou des autres objets proches qui sont à l'abri de la lumière s'appellent les Ombres Portées.

Clic clic pour agrandir ^^

La valeur des ombres:

Une des difficultés dans la réalisation des ombres est qu'elles n'ont de limite toujours bien définie ni la même valeur partout. Voici quelques astuces pour rendre vos ombres plus réalistes.

Pour un volume cubique, l'ombre propre présente de légères atténuations tonales dans la zone centrale et une intensification de l'ombre près du point d'appuis. Son ombre portée est également plus sombre sur les bords et plus claire le long de la ligne qui la relie au solide.

Pour un volume sphérique au contraire, il existe évidement une face plus claire le long de la limite de la zone d'ombre propre, tandis que l'ombre portée est plus intense au point d'appuis sur le plan.

Comme vous vous en doutez, les ombres se construisent en même temps que le dessin. Elles suivent des règles de perspective et de projection que nous verrons dans le cours suivant (-bientôt par ici !-)

En attendant, révisez vos cours sur la perspective :P